Durante los tres trimestres del curso vamos a profundizar en tres temas referentes al arte.
El programa constan de varias clases teóricas y una o varias propuestas de trabajo.
Tema del primer trimestre (octubre – diciembre): ARTE ORIENTAL-ARTE OCCIDENTAL: LA INFLUENCIA DEL ARTE ORIENTAL EN EL DESARROLLO DE LA MODERNIDAD Y LAS VANGUARDIAS ARTÍSTICAS
Empezamos octubre con este tema que quedó pendiente de desarrollo el curso anterior. Estudiaremos la influencia de la estética y cultura orientales ( centrándonos en Japón y china) en el arte moderno y las vanguardias.
En la segunda parte del siglo XIX se aprecia la fascinación que los impresionistas sintieron por el arte japonés y como empiezan a coleccionar grabados japoneses Ukiyo-e y diversos objetos de la cultura oriental. El japonismo- Van Gogh utilizó el término “japonaiserie”- será el concepto para denominar esta influencia que fue una fuente de inspiración para los impresionistas,los postimpresionistas y para distintos movimientos y artistas de las vanguardias del siglo XX.
Los elementos del arte japonés que más influenciaron fueron la composición asimétrica, la falta de perspectiva, la ausencia de claroscuro utilizando una luz sin sombras, el uso de áreas planas de colores brillantes y su énfasis en patrones decorativos. Como ejemplos de artistas influenciados por la estética japonesa podríamos nombrar a Manet, Pierre Bonnard, Tolouse- Lautrec, Mary Cassat, Degas, Renoir, Whistler, Monet, Van Gogh, Pisarro, Gauguin o Gustav Klimt.
La pintura zen japonesa es heredera conceptualmente del taoísmo chino y ambas han tenido una gran influencia en el arte occidental contemporáneo. Esto se puede percibir por elementos como el protagonismo del trazo y el concepto de vacío, el gesto convertido en objeto artístico dotado de un significado completo en sí mismo, la espontaneidad y el fluir inconsciente de la gestualidad.
El vacío como concepto o como forma determinará toda una estética artística en el arte del siglo XX. El proceso de asimilación de oriente culminará con el “action painting”- Pollock, Rothko, De kooning,Motherwell- y el informalismo- Michaux, Tapies, Hartung- pero puede percibirse en muchos movimientos artísticos y artistas.
Las propuestas de trabajo se expondrán en clase y se centrarán en los elementos formales del arte japonés que podrían utilizarse en la práctica artística contemporánea y en los conceptos de gesto y de vacío presentes en la pintura china taoista y en el zen.
Tema del segundo trimestre (enero – marzo): ARTE Y ESTILO: CÓMO ENCONTRARON LOS GRANDES ARTISTAS SU ESTILO
Nos acercaremos este trimestre al misterio de la creatividad y a cómo hallaron y desarrollaron los grandes artistas su estilo. Veremos su proceso de búsqueda o – como decía Picasso – de encuentro (“ Yo no busco. Yo encuentro”) de una línea propia de trabajo.
Investigaremos en los rasgos de personalidad que favorecieron su creatividad y originalidad y en los obstáculos internos y externos que tuvieron que afrontar.
Algunos grandes artistas abrieron un nuevo camino creativo con su estilo por revolución, con una ruptura con lo anterior. Éste fue el caso de Picasso, Caravaggio o Duchamp. Otros tuvieron un largo proceso de evolución hasta conseguir un estilo personal y único como Cezanne, Rothko o Velázquez.
¿Cuáles serían las FASES DEL PROCESO CREATIVO con el que los grandes artistas desarrollaron su estilo?
¿Cómo empezaron y qué actitudes y hábitos tenían? ¿Qué hicieron para encontrar su propio camino?
Intentaremos aproximarnos a una respuesta a estas preguntas, obviamente sin desentrañar los profundos misterios de la creatividad. Aquí el alumno podrá encontrar una aplicación práctica porque se ofrecerá una SÍNTESIS DEL PROCESO CREATIVO con el que se podrá iniciar la búsqueda o desarrollo de una línea de trabajo personal y un estilo propio.
Por último estudiaremos cuatro formas de creatividad con las que los grandes artistas desarrollaron su estilo y su obra, viendo y explicando distintos ejemplos.
– ORIGINALIDAD: sería la capacidad de crear un estilo único, distinto y con un sello personal anclado en la propia forma de ser. Por ejemplo Miguel Ángel, Velázquez, Picasso, Giacometti, Pollock…
– FLUIDEZ: se refiere a la producción, es decir, a la capacidad de crear mucha obra con un incesante fluir de trabajos. Un ejemplo paradigmático es Picasso,con una vastísima producción realizada a lo largo de una larga vida o también Van Gohg que consigue realizar en pocos años una explosiva creación cortada abrúptamente por su muerte prematura.
– FLEXIBILIDAD: define cuantos productos diferentes, a veces abarcando distintos campos, es capaz de crear un artista. El ejemplo más claro de esta forma de creatividad es Leonardo, que abarca en su obra campos del saber y materias que hoy están escindidas y separadas en compartimentes estancos pero que éste artista logró sintetizar en algo muy cercano a una unidad de conocimiento. El amplísimo campo de creación de Leonardo abarca el arte y la ciencia. En sus cuadernos encontramos estudios y proyectos para sus pinturas, escultura,óptica, medicina, ingeniería y una multitud de matérias que le convierten en el perfecto ejemplo de hombre universal del Renacimiento. También serían ejemplos de flexibilidad creativa Miguel Ángel o Bernini.
– CAPACIDAD DE ELABORACIÓN: en ésta faceta de la creatividad encontramos artistas que desarrollan un estilo caracterizado por los detalles, la complejidad y la capacidad de elaborar estrategias para resolver problemas complejos. Podríamos citar como ejemplos a Miguel Angel, con la elaboración de la “ Pietá” o las pinturas de la Capilla Sixtina, a Duchamp con “ El gran vidrio” o a Bernini con esculturas con un extraordinario nivel de acabado como “Apolo y Dafne” y “El éxtasis de Santa Teresa”. También a Gaudí con la “ Sagrada Familia”.
Se elegirá por votación por parte de los alumnos a un artista para analizar en profundidad la génesis de su estilo y su proceso creativo.
Las propuestas de trabajo de este trimestre serán personalizadas para cada alumno dependiendo de sus intereses, evolución y línea de trabajo y estarán dirigidas a que se desarrolle un proceso creativo propio y a la realización de distintos ejercicios de estilo.
Tema del tercer trimestre (abril – junio): LAS TÉCNICAS DEL DIBUJO. BREVE HISTORIA DEL DIBUJO. LOS MATERIALES Y SU APLICACIÓN PRÁCTICA
En el último trimestre del curso veremos las más importantes técnicas del dibujo. El lápiz grafito, el carboncillo, las cretas y crayones ( negra, blanca, sanguina y sepia) y la tinta con pluma o pincel han sido fundamentales durante siglos y continúan siéndolo en la creación contemporánea.
Ya en las pinturas paleolíticas de Altamira podemos encontrar los antecedentes de algunas de estas técnicas que tendrán un amplio desarrollo durante el Renacimiento y el Barroco. Grandes artistas llevarán el dibujo es estos dos últimos periodos a un nivel extraordinario de perfección y maestría, de hecho puede hablarse de un alto nivel general difundido desde los talleres de los grandes maestros.
Con la paulatina aparición del modelo de enseñanza académico se van creando una serie de modelos de dibujo: dibujo del natural, dibujo de estatua, dibujo de paños y telas, dibujo anatómico, etc. Se desarrolla un aprendizaje del dibujo basado en la repetición, la perfección técnica y una cierta estandarización que coartó en ocasiones la creatividad de los artistas.
A finales del siglo XVIII la polarización entre el neoclasicismo y el romanticismo se manifestará ya en el siglo XIX como dos tendencias opuestas: por una parte el academicismo y el arte oficial y por otra las distintas tendencias artísticas y movimientos que conformarán los inicios de la modernidad artística (Romanticismo, Realismo, Impresionismo y Postimpresionismo). Va surgiendo en el dibujo una tendencia a la experimentación, un énfasis en el proceso de dibujar frente al acabado y la perfección técnica. La personalidad y subjetividad del artista cobra fuerza rompiendo normas académicas y encontrando una manera mas espontánea y personal de acercarse a las cosas.
Con la llegada del siglo XX eclosionan las primeras Vanguardias Artísticas y se consuma la ruptura con el paradigma de representación que prevaleció desde el Renacimiento. El dibujo se abre a nuevas formas y conceptos en una serie de movimientos artísticos (Fauvismo, Expresionismo, Cubismo, Futurismo, Abstracción, Suprematismo, etc.) que en su búsqueda de lo nuevo instalarán una dinámica de cambio continuo.
El campo creativo del siglo XX se expande tras la crisis producida por la I Guerra Mundial con unas segundas Vanguardias Artísticas ( Surrealismo, Expresionismo Abstracto, Informalismo, Pop, Arte Conceptual, etc) que finalizan en los años 70. Surge entonces el paradigma postmoderno y se retoman con fuerza la pintura y el dibujo con los neoexpresionismos de los 80 y empieza a producirse el retorno de los realismos con un renovado interés por los procesos técnicos del dibujo. Ya a finales del siglo XX la creación artística se manifiesta en un amplio pluralismo que continúa hasta hoy y el dibujo tiene múltiples formas, conceptos y aproximaciones al hecho de dibujar.
Tras ver la evolución histórica, técnica y conceptual del dibujo nos centraremos en los materiales y en los aspectos prácticos de su manejo:
– LÁPIZ GRAFITO: Tipos y grados de dureza. Cómo afilar los lápices. Gomas de borrar. Técnicas de línea a lápiz. La línea sensible. Técnicas de sombreado con lápiz. Tipos de papel. Uso de difumino. Dibujar con una goma de borrar. Papeles para lápiz.
– CARBONCILLO: Tipos de carboncillo. Fijativos. Papeles para carboncillo. Técnicas de línea a carboncillo. Técnicas de sombreado, uso de esponjas y difuminos. Combinación del carboncillo y el lápiz de carbón compuesto.
– CRETAS Y CRAYONES ( NEGRO, BLANCO, SANGUINA Y SEPIA): Técnicas con un color. Combinación de dos y tres crayones. Tipos de papeles y soportes. Uso de papel de tono medio y oscuro. Cualidades y diferencias de cada color de crayon. Los grados de dureza.
– TINTA A PLUMA Y PINCEL:Materiales y equipo. Tipos de tintas. Papeles y soportes. Técnicas de línea y de mancha. Tinta diluida. Trabajo sobre papel húmedo. Cómo combinar tintas blancas y negras. Técnicas de dibujo a pincel.
Las propuestas de trabajo de este trimestre pondrán el énfasis en el uso de los materiales y la familiarización con las técnicas, empezando primero con ejercicios más cortos y después trabajos más elaborados.
El programa constan de varias clases teóricas y una o varias propuestas de trabajo.
Tema del primer trimestre (octubre – diciembre): EL DIBUJO EN EL REALISMO CONTEMPORANEO
El dibujo durante la historia del arte ha estado ligado a la tradición académica, actualmente encontramos artistas que realizan una constante renovación de este lenguaje desde los distintos realísimos.
En este trimestre exploraremos las obras más significativas, estudiaremos las técnicas, los nuevos enfoques y temas de actualidad.
Tema del segundo trimestre (enero – marzo): LA ACUARELA
– Historia general del dibujo: una visión general desde el Renacimiento hasta nuestros días.
– Las técnicas: capas sobrepuestas, mojado sobre mojado, mojado sobre seco.
– Los artistas.
Tema del tercer trimestre (abril – junio): ARTE ORIENTAL, ARTE OCCIDENTAL
– Historia. Influencia de la estética oriental en el arte moderno.
Tema del primer trimestre (octubre – diciembre): LA CREATIVIDAD Y EL PROCESO CREATIVO.
– Claves para el desarrollo de la creatividad.
– Tipos de creatividad. Originalidad por evolución y originalidad por revolución.
– El proceso creativo. Las ocho etapas del proceso creativo. Herramientas tradicionales y actuales del artista para desarrollar su proceso de creación. Cómo crearon sus obras los grandes artistas.
– Cómo desarrollar nuestro propio proceso creativo.
Tema del segundo trimestre (enero – marzo): El DIBUJO, UNA VISIÓN GLOBAL.
– Historia del dibujo: una visión general desde el paleolítico hasta nuestros días.
– Las técnicas del dibujo: carboncillo, lápiz, crayones y cretas, tinta y aguadas, etc. De los materiales tradicionales a los actuales.
– Principales conceptos: la línea, la mancha, el trazo, la gestualidad, ritmo, composición. Intuición e improvisación y razón y método. Dibujo del natural, dibujo de memoria y dibujo de imaginación.
Tema del tercer trimestre (abril – junio): PSICOLOGÍA DEL COLOR: ASPECTOS PSICOLÓGICOS, EMOCIONALES Y SIMBÓLICOS.
– El color en su dimensión expresiva más sutil. El inconsciente, el sentimiento y la emoción en la expresión cromática.
– Simbolismo personal, arquetípico y colectivo del color: de los códigos culturales para interpretar el color en cada época y cultura, pasando por el sustrato intemporal arraigado en el inconsciente, a las interpretaciones más personales y subjetivas de los grandes artistas.
– La expresión a través del color en la historia del arte, un breve y sintético resumen por la tradición premoderna, moderna y la creación comtemporánea.
Monográfico del mes de julio de 2017: LOS ORÍGENES DE LA ABSTRACCIÓN
– El surgimiento de la abstracción en el paleolítico, el neolítico y las culturas primitivas.
– Su influencia en el arte moderno
– Cómo conseguir efectos de piedra y texturas con las distintas técnicas matéricas. Ejercicios y pruebas.
